Bueno, a eso de sinfónico y popular le
sacaron lasca. En uno de mis álbumes hay un recorte del periódico New York
World Telegram and Sun, del viernes 13 de diciembre de 1957, en el que
Frank Farrel, en su columna New York-Day by Day, escribió lo siguiente:
Refusing the canard that no classical talent originates in
the supper clubs, one of the strolling fiddlers in Monseigneur, Carlos
Piantini, has joined the Philharmonic.
Todo eso era muy bonito, pero como ya
dije, la cuenta no daba y estaba obligado a mezclar a Beethoven con la música
popular, que, en definitiva, hasta el propio Bernstein también lo hizo. Él
mezcló la música clásica con la popular, sobre todo con la cubana. Él se iba al
sur de la Florida, y allá escuchaba las emisoras de radio cubanas, que por
entonces entraban con mucha potencia en esas zonas de los Estados Unidos, y se
llenaba con todos aquellos sones y mambos de la época, y luego escribía su
música con esos ritmos. Pues como iba diciendo, como la cuenta no daba tenía
que tocar el violín lo mismo en el Carnigie Hall que en
el Cotillion Room, y en eso apareció mi compatriota Johnny Pacheco
y me propuso que trabajara con él.
Ya estaban en su orquesta los
Palmieri, Charlie y Eddie, entre otros, y claro que acepté, le metimos mano al
asunto y comencé a tocar charanga... y en un año gané suficiente dinero como
para dar el pago inicial de un apartamento. Tocando bailes con Johnny Pacheco
en el Palladium y en las mejores salas de fiestas de Nueva York aprendí mucho y
mejoré un poco mi situación financiera, este trabajo desarrolló en mí un gran
sentido del ritmo, algo que todo músico popular debe tener, eso significó mucho
para el resto de mi vida, fue una época impresionante para mí. Yo salía
del Carnegie Hall de tocar un concierto con la Filarmónica de
Nueva York, y entraba en el Palladium, o en cualquier otro salón de
los barrios más modestos, a tocar un baile con Johnny.
De esa orquesta Eddie Palmieri se
separó para hacer la suya, y poco después yo también hice la mía, con la que
llegué a grabar un disco en el que por supuesto tocaron los mismos músicos de
Johnny... porque todos nos ayudábamos. Hice mi disco, pero tuve la mala suerte
de que la disquera quebró y mi disco nunca salió al mercado. Sólo apareció un
sencillo, que se llamaba Piantini con su violín.
Con Johnny grabé algunos discos, y recuerdo que en el primero que él hizo
estaba yo en los violines. Recuerdo que en la carátula aparecía un negrito
tocando la flauta, y los colores eran amarillo y negro, recuerdo eso, aunque
desgraciadamente no tengo ese disco. En ese disco hay un número, El
agua del clavelito, en el que yo toco una cadencia tremenda. Eso lo
recuerdo bien. Y ahora que lo digo, haré todo lo posible por encontrar algo de
eso antes de terminar esta historia, vamos a ver dónde encuentro ese disco, no
les prometo nada.
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Su
figura se convirtió en leyenda, sus obras han quedado para la posteridad en
manos de coleccionistas privados, y en el Museo Frida Kahlo inaugurado en 1958
en la “casa azul” de Coyoacán, la que fue su morada durante varios años.
El 6 de julio de
1907 nació en Coyoacán, México, Frida Kahlo Calderón, una figura prominente de
la historia de las artes plásticas en América. Su vida estuvo marcada por
sucesos trágicos; primero pasó por varios problemas de salud que le dejaron
secuelas visibles, y luego, siendo muy joven, en septiembre de 1925 sufrió un
terrible accidente de tránsito del que quedó muy afectada física y emocionalmente;
todo esto, unido a los trastornos personales que la acompañaron siempre,
definen la temática fundamental de su obra. La mayoría de sus piezas reflejan,
los dramas, frustraciones y sentimientos de esta apasionada artista, compañera
sentimental del gran muralista mexicano Diego Rivera.
Frida fue una mujer
perseverante, se dedicó por entero a la pintura, además de sus actividades
revolucionarias, también impartió clases de pintura y dibujo en la Academia “La
Esmeralda” de México, labor que continúo luego en su casa. Obtuvo diversos premios
y reconocimientos de las Instituciones culturales de su país. Viajó por varias
ciudades de Estados Unidos y Europa; en el año 1939 llegó a París donde realizó
una exposición exitosa, allí conoció a un grupo de pintores surrealistas, de
los cuales tomó importantes experiencias. De regreso a su México querido
continúo pintando sin descansar, pese a sus malestares y dolencias.
Por lo general, ella
fue la figura central de sus cuantiosos cuadros, sus autorretratos con rostro
duro y retorcido, son los más famosos, piezas de esmerado tratamiento que
revelan su gran talento. En otras obras se pintó en medio de situaciones y
momentos cruciales de su vida, utilizando símbolos y textos sublimes que
caracterizan su obra, en la que además, con frecuencia aparecen elementos del
arte precolombino, el folklore, la flora y la fauna de México, manipulados y
envueltos en luces y sombras que acentúan la temática tratada.
Su diario es el
documento más valioso para comprender su vida y obra, en él están esbozados los
detalles más importantes de su tortuoso paso por la tierra. En 1954 enfermó de
una infección pulmonar, la que unida a otros trastornos le causaron la muerte el
13 de julio de ese mismo año. Murió rodeada de personas queridas, que junto a
Diego le dieron el último adiós. Su figura se convirtió en leyenda, sus obras
han quedado para la posteridad en manos de coleccionistas privados, y en el
Museo Frida Kahlo inaugurado en 1958 en la “casa azul” de Coyoacán, la que fue
su morada durante varios años,allí se
encuentran muchas de sus obras, sus utensilios de trabajo,muebles, adornos y muchas de sus pertenencias
personales, ese museo es visitado por cientos de turistas mexicanos y
extranjeros que descubren en cada rincón el recuerdo perdurable de Frida.
Isabel Serrano en el patio de la Casa Azul (2005)
(*) M.C. † Isabel María Serrano
Fuentes (1963-2023) egresó de la Facultad de Artes y
Letras de la Universidad de Oriente, Cuba como Licenciada en Historia del Arte,
graduada con Diploma de Oro. Obtuvo Maestría en Ciencias de la Educación,
Universidad de Camagüey, Cuba. Diplomado en Arte Virreinal de la Nueva España,
Universidad Anáhuac, Veracruz, México. Diplomado en Estudios Superiores en
Ciencias Pedagógicas con Mención en Enseñanza de las Ciencias
UNAPEC-Universidad de Camagüey.
Realizó trabajos de Asesoría,
Capacitación, Catalogación, Curaduría y Museografía en México (Plan Maestro de
la Catedral de Veracruz), Ecuador (Museo Nahim Isaías), República Dominicana
(Museo Sacro y Museo del Carnaval, (ciudad de La Vega). Curaduría para
exposiciones individuales de artistas contemporáneos.
Es autora de artículos y ensayos
publicados en periódicos y revistas especializadas (El Siglo, Diario de Xalapa,
Artes en Santo Domingo, Cariforum, Mirada al Arte). Autora de nueve volúmenes
de Artes Visuales para la Educación Artística de México, apegados a los planes
y programas de la SEP. Impartió cursos de actualización a Maestros de Educación
Artística en diferentes Estados de México.
Isabel María Serrano
Fuentes falleció en Jiguaní, Cuba, el 7 de febrero de 2023.
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Teatro Payret (1877-1958). La Favorita y la Traviata en la primera temporada de ópera. Una
pléyade de luminarias cantan en La Habana.
Teatro Payret (1877-1958)
También llamado Teatro
de la Paz, después de la guerra de los Diez Años, y Coliseo Rojo por
ser este el color predominante en sus decorados, el teatro Payret fue construido
en una superficie de 3,000 mts2 por don Joaquín Payret, tuvo
entonces capacidad para unas 2,573 personas sentadas en 75 palcos, 524 lunetas,
159 butacas, 708 asientos de tertulia y 692 de paraíso, y completando su
capacidad con el público de pie podía albergar hasta unas cuatro mil personas
(Pérez 1898, 78).
El Diario de la Marina
(DM) (9 ene. 1877) anunció que el Teatro Payret se preparaba
para abrir sus puertas el 21, día de Santa Inés, en el que se cantaría el coro La
Caridad, de Rossini, pero la inauguración formal sería el día 23 en
celebración de los días de S. M. el Rey Alfonso XII. El mismo Diario
anunció en su edición del día 13 la llegada, en el vapor Ville de Saint
Nazaire,de la compañía de ópera italiana contratada por D. Modesto
Julián para el Teatro Payret, la que sería obsequiada «con una brillante
serenata a cargo de dos bandas musicales que tocarían simultáneamente frente a
los hoteles en los que se alojarían los artistas: el Hotel Pasaje y el Hotel
Inglaterra, y en su edición del día 23 de enero, el mismo DM
describió el «nuevo templo»:
(DM,
23 ene. 1877). La sala de Payret, es más alegre y linda que
majestuosa; las luces del techo perfectamente dispuestas esparcen una gran
claridad y aunque no reina el mayor gusto en los adornos de todo el teatro,
presenta sin embargo gran sencillez, tal vez excesiva en coliseo que demostraba
ciertas aspiraciones, que fácilmente hubiera alcanzado.
En esta función
inaugural del día 21 no se presentó aún la compañía que ya había llegado para
hacer la primera temporada del Payret, y tal como se había anunciado se
reservó para el segundo día. Esa primera noche se presentaron, después de la
interpretación de la obertura de la ópera Guillermo Tell, de Rossini,«los niños de la Real Casa de Beneficencia, el Sr. Van-der-guth (sic), el
Sr. Miari (Sic)(Debe referirse al pianista, compositor y director
José Mauri Esteve (1855-1937) quien por entonces era pianista y director en los
teatros Tacón y Cervantes), el coro catalán y las poesías de los Sres. D.
Jacobo Domínguez, Mazarracin y Triay».
En la segunda parte
también hubo poesía, la niña Inesita Payret ejecutó al piano la pieza La
Pasquinade -en lugar de la romanza que según se había anunciado cantaría la
Volpini-, se cantó el rondó de la ópera Cenerentola, un coro mixto
interpretó La Caridad, de Rossini, y la primera noche del Payret
terminó con La esgrima de bayoneta, interpretada por un coro de
«bizarros voluntarios».
En la función del 23
debutó la compañía lírica, y lo hizo con la ópera La Favorita, de
Donizetti, teniendo a Alizia Urban en el rol principal y al tenor Abruñedo en
el papel de Fernando, y así la describió el Localista:
(DM,
25 ene. 1877). Con un lleno completo, verificóse anoche la
inauguración de la temporada de ópera italiana. El nuevo teatro presentaba un
magnífico golpe de vista. Con motivo de ser los días de nuestro augusto
soberano; el retrato de S. M. el Rey se hallaba colocado en el palco de la
presidencia, siendo saludado al empezar y terminar la función con la marcha
real.
Durante los últimos días
de enero subió a la escena la ópera La Traviata con la Volpini en el
papel de Violeta, y de su debut dijo el localista:
(DM,
30 ene. 1877).La señora Volpini tuvo momentos de verdadera
inspiración, detalles de artista, y desplegó todos los recursos que posee el
genio guiado por el arte. Su voz es de dulcísimo timbre y de modulación
delicada; su garganta posee extraordinaria agilidad, y las artísticas
inflexiones de su acento conmueven y arrebatan.
[…]
Al lado de la gran artista palidecieron los demás, y el Sr. Tecchi, a pesar de
las buenas condiciones de su voz, nos pareció frío, y poco acostumbrado a pisar
las tablas. El barítono señor Carpi, tiene poca extensión de voz; pero sabe
cantar y tiene muy buena escuela. La orquesta inmejorable y admirablemente
dirigida por el señor Kintherland. Los coros bastante bien.
Y de la segunda
presentación de la Volpini dijo el cronista al día siguiente: «cantó de un modo
inimitable la cavatina del acto 1º y el addio del passato del 3º,
y el público premió con nutridos y espontáneos aplausos, el relevante genio de
tan distinguida artista».
La apertura del teatro Payret
significó la llegada de un nuevo competidor al mercado de la ópera en La
Habana, el Albisu, el Tacón y el Payret se disputaban el
público que gustaba del arte lírico, aunque el primero acogía a los aficionados
a la zarzuela fundamentalmente, pero sin hacer muchos cálculos eran más o menos
el mismo público. Ese fin de año y los primeros meses del siguiente, se reunieron
en La Habana algunas de las estrellas más conocidas en el mundo de la ópera,
tanto en Europa como en América. De aquella temporada la Revista de Cuba
(tomo I, abr. 1877) publicó lo siguiente: «Volpini, Urban, Bertolasi, Abruñedo,
Petrowich; he aquí la afamada pléyade: estos son los nombres que desde hace dos
meses se repiten constantemente con indecible entusiasmo. Quien ensalza a uno,
quien deprime al otro».
A mediados de marzo la
compañía que actuaba en el Tacón terminó sus tareas y algunos de los
cantantes que la formaban abandonaron la ciudad, pero otros se quedaron para
aumentar la pléyade de excelentes artistas del Payret, entre los que se
contaban la Volpini, la Urban, Abruñedo, Barberat y Bertolasi (DM, 18 mar. 1877).
Tomado de Historia de
la música popular cubana. De las danzas habaneras a la salsa (1829-1976).
Disponible en:
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No echen de menos, los viejos habaneros, la presencia del
vetusto Mercado del Polvorín. A cambio de él, posee ahora la ciudad uno de los
mejores museos del continente. Alejo
Carpentier. 26 de mayo de 1957.
Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba.
Mediante
Decreto Presidencial del año 1913, se dispuso la creación del Museo Nacional de
Cuba, el cual debía asentarse en un marco arquitectónico adecuado. En
cumplimiento de esa disposición, se presentó el primer proyecto para el Museo
en el año 1925, a cargo del cual estuvieron los prestigiosos arquitectos
Govantes y
Cabarrocas.
El
lugar escogido fue una parcela de 8 053.50 metros cuadrados donde se encontraba
el Mercado Colón, -sitio conocido también como Plaza del Polvorín-, ubicado en
la calle Trocadero entre Zulueta y Monserrate, en la Ciudad de La Habana. El
proyecto se materializó en 1954 cuando finalmente se construyó el edificio del
Museo (Palacio) Nacional de Bellas Artes de La Habana; ya para entonces esa
zona se había convertido en uno de los conjuntos urbanos más significativos de
América Latina.
El
conocido Palacio de Bellas Artes acogió durante años valiosísimas colecciones
de arte cubano y arte universal, pero, el espacio se hizo insuficiente en la
medida en que las colecciones crecían, por lo que en el año 1996 se procedió a
la renovación y actualización integral de la institución, y quedó conformada
entonces por tres edificaciones –dos destinadas al uso museístico y una para
funciones administrativas y logísticas. La reapertura del gran complejo
cultural, bajo la dirección de la Licenciada Moraima Clavijo Colom se produjo
el 18 de julio de 2001.
Centro Asturiano @Fuente externa
El
inmueble antiguo, es decir, el ubicado en la calle Trocadero, quedó consagrado
a las valiosas colecciones de arte cubano, organizadas en ocho áreas temáticas
principales que incluyen 24 salas. En unos 7 600 metros cuadrados se exhiben
más de 1200 pinturas, esculturas, grabados y dibujos que integran el más
completo panorama del Arte Nacional de Cuba desde la época colonial hasta la
actualidad; se destacan las temáticas del paisaje, escenas religiosas y
costumbrismo. De especial interés es el espacio que guarda las obras de
Guillermo Collazo, cuya pintura representa, según Lezama Lima, “una síntesis
súbita de lo cubano”. En el museo hay obras de Wifredo Lam –el mito más
universal de la plástica cubana-, Amelia Peláez, Victor Manuel, René
Portocarrero, y Servando Cabrera Moreno, por solo citar algunos de los grandes
del arte cubano de vanguardia.
Las
imponderables colecciones del Arte Universal se trasladaron a otra edificación
cercana que complementa el complejo cultual. La nueva sede fue, en el pasado
siglo, el Centro Asturiano de La Habana, ubicado frente al famoso Parque
Central; es un fastuoso edificio en el que sobresalen los códigos del
eclecticismo español con predominio de elementos barrocos y platerescos, posee
una decoración suntuosa con íconos y símbolos locales; una obra imponente, de
singular belleza y perfección, restaurada con las más modernas técnicas
constructivas, y acondicionada para estos fines.
Sala de arte cubano.
En
el primer nivel se encuentran obras del arte norteamericano y latinoamericano,
allí están personificadas la Escuela Nacional de México y otras de Las Antillas
y Sudamérica. En otro de los niveles se presentan hermosas piezas del arte
Oriental. El esplendor del arte europeo ocupa una tercera parte –más de 4 800
metros cuadrados- de la superficie total del inmueble, y acoge unas 700 obras
distintivas de las siete escuelas tradicionales europeas (Alemania, Flandes,
Holanda, Italia, España, Francia y Gran Bretaña), organizadas en conjuntos
coherentes. Estas colecciones permiten hacer un recorrido por la pintura de los
siglos XV al XIX a través de grandes artistas como Cranach, Bassano, Zurbarán y
Canaletto, entre otros. De especial interés son los retratos ingleses del siglo
XVIII y las obras de los pintores franceses de la Escuela de Barbizón.
Con
exclusivo tratamiento y en una extensión excepcional se dispone la colección de
arte antiguo perteneciente casi en su totalidad al distinguido señor, Dr.
Joaquín Gumá Herrera (1909-1980) -Conde de Lagunillas-, un cubano que precisó a
temprana edad su afición por el coleccionismo, y viajó por el mundo ocupándose
de enriquecer su colección de obras de arte, la que entregó en el año 1956, en
calidad de depósito permanente al Museo Nacional y para la cual, en aquel
entonces se abrió una sala especial. Actualmente, es esa colección de arte
antiguo la que ocupa el espacio más colosal de la nueva instalación y se ubica
en lo que antiguamente fue el Salón de Fiestas del Centro Asturiano.
Ánfora Panatenaica
En
el nuevo recinto la muestra se dispone en un ambiente diferenciado. En los
niveles cuatro y cinco del edificio, en una superficie de 1,200 metros
cuadrados se exhiben cerca de 700 piezas pertenecientes a tres grandes culturas
de la antigüedad: 112 pertenecientes al arte egipcio; 174 al arte romano; y 300
al arte griego, esta última situada en el eje transversal, mientras que en los
extremos del eje longitudinal se alinean los otros dos muestrarios. La pieza
más destacada de la sección griega es el Ánfora Panatenaica de los
Hoplitodromos.
La
colección de arte antiguo del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, que tuvo
como base las piezas del Conde de Lagunillas, es posiblemente la más grande y
bien conservada de Latinoamérica.
El
Museo, cuenta con un Centro de Información, dotado de gran cantidad de libros
especializados en artes plásticas; tiendas que ofertan reproducciones,
serigrafías, afiches, libros y catálogos; posee también cafetería y un teatro
con capacidad para 248 espectadores; tiene sala de conferencias y audiovisuales
con capacidad para 60 personas. El Museo está abierto al público con servicios
de visitas dirigidas y comentadas de martes a sábado de 10:00 a.m. a 7:00 p.m.
y los domingos de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. y ofrece habitualmente una amplia
programación cultural
Las
colecciones que guardan ambas instalaciones llegan a totalizar algo más de 45
000 obras de arte. Son muchos los componentes que definen a este Museo habanero
como un sitio muy especial; entre ellos, los materiales que se utilizaron en la
restauración del edificio, la decoración en espacios en los que la luz adquiere
un papel protagónico para la lectura de las impresionantes obras, la aplicación
excelente del concepto museístico y, el incalculable valor de su patrimonio,
todo lo cual convierten al Complejo Cultural Museo Nacional de Bellas Artes de
La Habana en uno de los más completos, solemnes y lujosos de este continente.
Isabel Serrano (1963-2023)
(*) M.C. † Isabel
María Serrano Fuentes (1963-2023) egresó de la Facultad de
Artes y Letras de la Universidad de Oriente, Cuba como Licenciada en Historia
del Arte, graduada con Diploma de Oro. Obtuvo Maestría en Ciencias de la
Educación, Universidad de Camagüey, Cuba. Diplomado en Arte Virreinal de la
Nueva España, Universidad Anáhuac, Veracruz, México. Diplomado en Estudios
Superiores en Ciencias Pedagógicas con Mención en Enseñanza de las Ciencias
UNAPEC-Universidad de Camagüey.
Realizó
trabajos de Asesoría, Capacitación, Catalogación, Curaduría y Museografía en
México (Plan Maestro de la Catedral de Veracruz), Ecuador (Museo Nahim Isaías),
República Dominicana (Museo Sacro y Museo del Carnaval, (ciudad de La Vega).
Curaduría para exposiciones individuales de artistas contemporáneos.
Es
autora de artículos y ensayos publicados en periódicos y revistas
especializadas (El Siglo, Diario de Xalapa, Artes en Santo Domingo, Cariforum,
Mirada al Arte). Autora de nueve volúmenes de Artes Visuales para la Educación
Artística de México, apegados a los planes y programas de la SEP. Impartió
cursos de actualización a Maestros de Educación Artística en diferentes Estados
de México.
Isabel
Serrano falleció el 7 de febrero de 2023 en Jiguaní, Granma, Cuba.
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Teatro Albisu
(1870-1918). Brindis de Salas, Esperanza Iris y el cinematógrafo
Teatro Albisu (1870-1918)
En diciembre de 1900
volvió Brindis de Salas a impresionar al público habanero presentándose en dos
espectáculos combinados en el teatro Albisu. Brindis tocó en los
intermedios de las zarzuelas La alegría de la huerta y La Maruxiña,
las piezas Fantasía de Otelo, de Ernst; Lejos del baile, de
Gillet; Fantasía de Fausto, de Wieniawski; y Serenata, de
Moszkowski, acompañado al piano por el maestro González Gómez (DM, 7 dic. 1900). Según la crónica que publicó el DM
(12 dic. 1900), fueron «muy aplaudidas todas las piezas que ejecutó el notable
violinista; entre ellas, La Abuelita» y una danza criolla que debió
tocar fuera de programa.
Claudio José Brindis de Salas (1852-1911)
En junio de 1910 la
compañía de Esperanza Iris (1884-1962) estrenó El Conde de Luxemburgo en
el Albisu, al que por entonces llamaban el teatro de los ventiladores.
En la primera crónica de Bohemia, la tiple mexicana se llevó junto a
Josefina Peral todos los elogios y los demás artistas el reproche: unos, por
«desenfocados»; y otros, por estar «absolutamente sin voz». Pero todo cambió en
la crónica del 2 de julio:
(Bohemia,
2 jul. 1910, 101). Esperanza Iris, la gentil y sugestiva tiple alcanza
grandes triunfos en «El Conde de Luxemburgo». Podemos afirmar rotundamente que
hoy por hoy no hay en la escena castellana tiple que la aventaje en el cultivo
del género que hoy priva: la opereta.
Esperanza
Iris tiene buena figura, cara expresiva, viste con sumo lujo y propiedad; y
cantando pasa felizmente de lo serio a lo picaresco e imprime a los personajes
que interpreta toda la intención, y más, que el autor imaginara.
Modesto
Cid, estudioso y sumamente discreto y Castillos dotado de extraordinaria vis
cómica, comparten con Esperanza Iris los aplausos del público. Especialmente en
«El Conde de Luxemburgo» uno y otro han llegado muy lejos. El primero con su
discreción y sobriedad y el segundo creando un tipo de una comicidad
excepcional.
Vale
decir que el resto de la compañía cumple con muy buena voluntad su cometido.
Josefina Peral […] en «El Conde de Luxemburgo» está realmente acertada y merece
calurosos aplausos.
Al año siguiente
Esperanza Iris volvió a cosechar aplausos en el Albisu y a ocupar
espacios en la prensa con el estreno de la opereta Aire de Primavera.
(Bohemia,
15 ene. 1911). En el Albisu «Aire de Primavera» mantiénese en el
cartel con gran brío. El público llena constantemente el teatro. Y la verdad,
lo llena con motivo: en la Habana no se ha visto de muchos años a esta parte
una obra tan bien presentada, tan ricamente vestida y tan cuidada, en fin.
La sugestiva
Esperanza Iris y sus apreciables compañeros alcanzan un éxito franco. Pero
quien lo alcanza mayor, y a quien le corresponde el honor de la jornada es a
Miguel Gutiérrez, que sabe poner obras como se deben poner, sin omitir
sacrificio, y las sabe dirigir cuidadosamente.
Miguel Gutiérrez fue un
cubano que había conocido a Esperanza Iris cuando ella tenía 16 años y él era
el director escénico en el teatro Principal en México, se casaron y
comenzaron a trabajar juntos y llegaron a comprar el teatro Albisu. La
actriz y su esposo pasaron largas temporadas en Cuba e hicieron giras por todo
el país. De él dice la Bohemia:
(Bohemia,
22 ene. 1911, 452). Sería injusto no reconocer que a Miguel Gutiérrez
le debe la Habana el haber podido conocer un género como la «opereta vienesa»
que hoy por hoy priva, como privó en otras épocas. […].
Gutiérrez
ha presentado admirablemente las obras, derrochando materialmente el dinero en
alguna, como «Aire de Primavera», y Esperanza Iris se ha revelado una artista
que, en el género, y en español interpretado, puede ventajosamente competir con
cualquiera. Lleven buen viaje y tengan buena fortuna los artistas de Albisu que
van a México a dar un número de representaciones en el teatro Abreu.
Esperanza Iris (1884-1962)
Al doblar la esquina, a
menos de doscientos metros del Albisu, estuvo el Politeama, donde
se presentaba por esos días la compañía de opereta italiana «Citta di Palermo»,
que presentaba a la joven Inés Imbimbo, quien unos años después se convertiría
en una de las estrellas del cine silente.
En marzo de 1911, se
alternaban en Albisu el cinematógrafo con la compañía de Luis Escribá,
en la que descollaba María Luisa Villegas «una dama joven que, por su figura,
buen porte y condiciones artísticas llamaba la atención del público amante de
las comedias regocijadas y cultas».
En mayo del mismo año la
prensa habanera volvía a elogiar a Esperanza Iris, «la gentil y graciosa tiple
que con vivísima luz propia se destacaba al frente de la compañía» que entonces
presentaba con éxito la opereta «Sangre Vienesa», con música de Strauss, bajo
la dirección del también empresario Miguel Gutiérrez. En diciembre había pocas
novedades en el Albisu, había reaparecido «la compañía de opereta sin
ofrecer ninguna obra nueva y continuaban con La Viuda Alegre, El
Soldado de Chocolate y otras novedades por el estilo», según lo comentado
en Bohemia (31 dic. 1911). Pocos años después, en 1918, un incendio
afectó considerablemente el Albisu, que fue remozado y abrió sus puertas
con el nombre de Campoamor, pero este también duró poco, y en esa corta
vida del Campoamor, en el antiguo Albisu remozado, entre muchas
otras funciones, en ese mismo año, se presentó una en la que cantó la maestra
Amelia Izquierdo (1876-1960), Condesa de Lewenhaups, con sus alumnas, y tocó el
flautista cubano Emilio Puyans. Finalmente, el teatro fue demolido y en su
lugar se edificó el Palacio de los Asturianos. Años después, como ya he
mencionado, se construyó el TeatroCapitolio al que después se
llamó también Campoamor, esta vez, en los terrenos en los que estuvo el Diorama,
en la esquina de Industria y San José.
Tomado de Historia de la Música Popular Cubana. De las danzas habaneras a la salsa (1829-1976). Disponible en Amazon.
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Teatro Albisu
(1870-1918) La numerosa oferta de óperas
italianas, zarzuelas, y compañías dramáticas provoca vértigo en el público habanero
Teatro Albisu (1870-1918)
El teatro Albisu se
construyó a expensas de José Albisu y ocupó más de 900 metros cuadrados, tuvo
capacidad para unas 2,500 personas, pudiendo estar sentadas 1,634 en 484
lunetas, 88 en butacas, 42 en palcos y 800 en asientos y gradas de tertulia y
cazuela. Estuvo situado en un punto excelente, a la salida de la calle Obispo,
frente a la que se conoció como la Manzana de Gómez y se dedicó
fundamentalmente a la promoción del género lírico y la zarzuela. Se inauguró el
17 de diciembre de 1870 con la presentación de la compañía lírica de don José
Curbelo, la que llevó a escena la ópera Otelo, de Rossini.
El elenco y el
repertorio de aquella función inaugural y de la primera temporada de abono
había sido anunciado días antes, entre otros medios en el semanario humorístico
El Moro Muza:
(El Moro Muza, 11 dic.
1870).El empresario de la compañía de ópera que pronto empezará a trabajar en
el Nuevo Teatro Albisu ha dado ya a conocer el elenco de la citada excelente
compañía y el repertorio con que cuenta, que es el siguiente: Otelo, D. Carlo,
Aroldo, Dinorah, Norma, Lucía, Sonámbula, Traviata, Trovador, Un ballo in
maschera, Rigoletto, Safo, Luisa Miller, Barbero de Sevilla, Linda, Hernani,
Crispino, María di Rohan, Macbeth, Lucrecia, Martiri, Elixir d`Amore, D.
Pasquale, Hugonotes, June, Vísperas Sicilianas, Puritanos, Fausto, Favorita,
Africana, y Martha.
Y el estreno, que atrajo
mucho al público habanero, fue reseñado así por el cronista:
(Diario de la Marina, 20
dic. 1870).Sin embargo, de cuantos obstáculos parecían oponerse a que en la noche
del sábado pudiera tener efecto la inauguración del teatro Albisu, y, por
consiguiente, de que hiciera en él su debut parte de la compañía contratada
para el efecto en Italia por el Sr. Curbelo, tal fue la actividad desplegada
durante ese día que todos los obstáculos se vencieron y el nuevo coliseo se
inauguró y la compañía dio principio a la temporada con la ópera del inmortal
Rossini que lleva por título Otello.
El 23 de diciembre el
mismo DM publicó la crónica de la puesta en escena de La Sonámbula,
y ya no fueron tantos los elogios para la compañía. Según el cronista, «esa
preciosa ópera del maestro Bellini, de la cual guarda la Habana filarmónica
recuerdos imborrables, dejó algo que desear a la concurrencia», y a
continuación argumenta por qué:
(DM, 23 dic. 1870). […],
como sepamos que la Sra. Friderico se hallaba muy lejos del estado de
tranquilidad de ánimo que reclama la ejecución de esa música delicadísima para
que luzca del modo que es debido; como viésemos, por otra parte, que el tenor
Carocelli no estaba en voz, según la expresión técnica de los cantantes; y como
para esta noche está anunciada la repetición de esa misma admirable partitura,
haciéndonos cuenta de que ayer hemos presenciado solo el ensayo general de
ella, aplazamos para el próximo número lo que ahora mismo pudiéramos decir si
no tuviéramos costumbre de asegurarnos de las cosas antes de juzgarlas
definitivamente.
El Albisu, que
entró en la tenaz competencia, propició que La Habana adquiriera el vértigo que
provoca en el público la numerosa presentación de espectáculos de todo tipo, y
así lo menciona el cronista:
(DM, 18 dic. 1870). Tras
aquel tiempo en que carecíamos de espectáculos hasta el extremo de que no se
contaba ni siquiera con uno para un remedio, ha venido a ofrecérsenos ahora tal
abundancia de ellos que dudamos haya quien tenga piernas ojos y oídos para ir a
verlos todos. No habrá más remedio que hacer lo que las mujeres coquetas si se
quiere disfrutar de ellos, eso es, atender un poquito a uno ahora y después al
otro, o andar al retortero con todos ellos a la vez y santas pascuas. He aquí
por orden de antigüedad lo que se pone a disposición del público para mañana
18.
-Función dramática,
extraordinaria en el teatro Tacón, la cual constará de la excelente obra «Un
drama nuevo» y la pieza «Esos son otros López».
-Ópera en el Albisu, siendo la
segunda función de abono y poniéndose en escena la que lleva por título Otello.
-Plaza de Belascoaín: se
lidiarán seis toros de muerte bajo el orden que hemos indicado anteriormente y
según el anuncio que puede verse en el lugar respectivo.
-El Circo de Variedades
de la calle de S. Rafael número 1 inaugurará la serie de funciones que tienen
ofrecidas los Sres. Escopeleti y Vall, habiéndose combinado al efecto un
programa compuesto de varios de los mejores ejercicios que constituyen el
repertorio de la compañía.
En 1874 la más sonada
puesta en escena fue La Hija del regimiento, que presentó en el Albisu
la compañía de la familia Zamacois. El DM del miércoles 3 de diciembre
de 1877 anunció que esa noche se presentaría en el Teatro Lersundi (Albisu)
la última función de la zarzuela en 3 actos El barberillo de Lavapiés, y
que después se bailaría «la nacional Feria de Sevilla, en que tanto se
distinguen Doña Carlota Picazo, D. Teodoro Roca y el cuerpo de baile».
El día 6 de enero de
1877 el DM publicó la crónica del anunciado estreno de la zarzuela El
Polichinela, con música de D. Tomás González, en la que sobresalió un dúo
de tiples, «digno de una gran zarzuela», el que por su «originalidad, buen
gusto y la magnífica instrumentación arrancó justos aplausos». La partitura
toda, según nos dice el cronista, «es linda, ligera y agradable y deja bien
sentada la justa reputación, que de buen compositor ha adquirido el Sr.
González». De la orquesta nos dice que estuvo perfectamente dirigida por el Sr.
Rius y de los intérpretes que «la Srta. Pastor hizo un delicioso Polichinela,
vistiendo con sumo gusto y propiedad. El Sr. Crescj salvó las situaciones más
difíciles con su gracia, y el Sr. Perié nos presentó un magnífico inglés como
él sabe hacerlo».
Reseña además el wals de
Arditi, El beso, que fue cantado «de un modo admirable, con
extraordinaria agilidad y afinación» por la Srta. Marchetti, quien «arrancó
entusiastas aplausos» con la interpretación de una obra «con difíciles
variaciones […] que no todas las artistas pueden desempeñar».
El día 13 de enero el DM
menciona la buena acogida que tuvo en el Albisu el estreno de la
zarzuela Campanone, en la que fue muy aplaudida la Sra. Marchetti, quien
lució sus buenas facultades, sobre todo en el rondó del acto 3º «cantado con la
mayor expresión y agilidad»; el 14 menciona el éxito «muy satisfactorio que
obtuvo la zarzuela Las hijas de Eva, en la que fue muy aplaudida la
Srta. Selgas quien «desempeñó el papel de un modo admirable como actriz y como
cantante, así como la Srta. Martín y los Sres. Prats, Crescj y Perié.
El día 16, la crónica
que publicó el DM recoge lo sucedido la noche del sábado 13 en la
presentación de la zarzuela Zampa. La función se hizo a beneficio del
artista D. Julio Perié, quien se «distinguió de un modo notable en el papel de
Daniel, demostrando que es aplicado artista que con buenos maestros ha
estudiado», siendo muy aplaudido por el público que lo hizo salir a escena
varias veces. También fueron muy aplaudidos en Zampa el Sr. Crescj en el
papel protagónico, las Srtas. Marchetti y Pastor y los Sres. Prats y Carratalá.
Como era usual en
aquellos espectáculos, entre un acto y otro se hacían presentaciones muy
diversas y en esta oportunidad, en el intermedio del segundo al tercer acto la
Srta. D`Aponte y el Sr. Petrilli cantaron el dúo de Luisa Miller y a
continuación, la Srta. Pastor cantó una guaracha
nueva, que según el cronista no reunía las condiciones para entusiasmar al
público, a continuación, el Sr. Alpuente cantó sus populares canciones
acompañándose con la guitarra y según continúa el cronista:
(DM, 16 ene. 1877).
Después de unas sabrosas malagueñas que fueron muy aplaudidas cantó el Sr.
Alpuente un gracioso potpurrí que hace muy buen efecto por los rápidos e
inesperados contrastes de la música popular, de ópera y de zarzuela.
El diario El País,
en su edición de la mañana (29 jun. 1895), anunciaba funciones por tandas en el
teatro Albisu por la compañía de zarzuelas, en las que se presentarían Los
Dineros del Sacristán, La Virgen del Mar y La Gran Vía; el
mismo diario (30 jun. 1895), anunciaba para el domingo la presentación de las
zarzuelas La Virgen del Mar, La Casa del Oso y Receta
Infalible. Para el lunes 1 de julio La Virgen del Mar y los Bufos
de la Legua a beneficio del actor bufo Miguel Salas, espectáculo en el que
los niños Salas y Castillo cantarían una parodia de Los Ratas de La Gran Vía
en los intermedios. El martes día 2, anuncia el estreno del juguete cómico en
un acto Los Asistentes, una obra que según la nota había «obtenido un
extraordinario éxito en el teatro Lara de Madrid». Y para el miércoles
3, anunciaba el estreno de la zarzuela en un acto Tabardillo.
Tomado de Historia de la Música Popular Cubana. De las danzas habaneras a la salsa (1829-1976). Disponible en: Amazon.
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